ROSTROS Y SUSURROS: CIEN AÑOS DE INGMAR BERGMAN
Ingmar Bergman (1918 – 2007)
Hijo
de un pastor luterano de marcado rigor y de una madre distante a la que
adoraba, con precoz vocación manifestada en su dominio cuando niño del teatro
de marionetas, Ingmar Bergman siguió estudios en la universidad de Estocolmo y
obtuvo una licencia en literatura e historia del arte con una tesis sobre
August Strindberg, autor teatral que fue con Ibsen una gran influencia en su
vida. Su formación procede de los años en que permaneció ligado al teatro
universitario y posteriormente fue ayudante de dirección del Gran Teatro
Dramático de Estocolmo, donde estrenó una temprana obra, La muerte de Kasper en 1941. Dos años después la productora estatal
Svensk Filmindustri (SF), que buscaba jóvenes guionistas, lo contrató para su
departamento de guiones.
Un
año más tarde su nombre ingresa a la industria gracias a que la misma empresa
produjo una película a partir de un guion adaptado por el propio Bergman de su
novela corta Tortura (Hets), que
dirigió Alf Sjöberg. Entre 1944 y 1955 fue responsable artístico del teatro
municipal de Helsingborg, etapa en la que también dirigió su ópera prima, Crisis (1946), producida por la Svenks Filmindustri, a
la que siguió una serie de películas para el productor independiente Lorens
Malmstedt, en las cuales aparecen ya sus preocupaciones trascendentales y que
le lograron cierto reconocimiento local. En lo internacional, Bergman es
descubierto a inicios de los años 50 por la crítica argentina y uruguaya, que
se adelantó a cualquier otra.
Sin
embargo no fue hasta la aparición de la comedia Sonrisas
de una noche de verano que el nombre de Bergman empezó a ser
conocido a escala mundial. El éxito que alcanzó esta película en el Festival de
Cannes de 1956 lo convirtió en el autor más apreciado dentro del cine europeo,
y ello propició que se recuperaran numerosos filmes anteriores suyos.
El
cine de Bergman recoge la herencia formal del expresionismo alemán y de la
tradición naturalista escandinava, en especial la de la obra silente de Victor
Sjöström –a quien consideraba su maestro y dirigió en Hacia la felicidad y Las
fresas salvajes-; también destaca por su gran sentido plástico y
aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro y luego del color. Sus
filmes giran en torno a constantes temáticas, en especial la muerte y el amor,
marcadas por las preocupaciones existencialistas y religiosas del autor, y
abordadas con un tono metafísico y una densidad de diálogos insólita para la
época.
En
el amplio conjunto de su obra ha escrito, producido y dirigido películas que
abarcan desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo.
En su universo de autor el contenido sexual está siempre presente, si bien
tratado con extremo lirismo. Película emblemática dentro de su filmografía por
su gran repercusión entre el público y la crítica, El séptimo sello (1956) constituye una alegoría que indaga en la
relación del hombre con Dios y con la muerte, para la cual empleó recursos
narrativos y formales tomados de la iconografía cristiana, en esta historia en
la que un cruzado que huye de la peste con un grupo de comediantes reta a la
muerte a jugar ajedrez. Su virtuosismo y sentido poético se hacen evidentes
en Las fresas salvajes (1957),
recreación de episodios de su propia infancia para la que utilizó una
estructura temporal de narraciones superpuestas y presentó una de las mejores
secuencias oníricas que pueda encontrarse en el cine.
La
posición de Bergman como director se consolidó plenamente a lo largo de la
década de 1960 a partir de su trilogía religiosa (Como en un espejo, uz de invierno, El silencio). Pero la obra más
representativa de esta etapa es Persona (1966),
donde destacan las simetrías entre las actrices protagonistas, los primerísimos
planos y el empleo evocador del sonido y la música. Bergman continúa explorando
de película en película el alma humana, su incapacidad para la comunicación,
para sentir y recibir amor.
Los
70 son años de pleno reconocimiento internacional para el director, en que los
éxitos y los premios se suceden: Cannes, Hollywood, Venecia, Berlín... Su
dedicación al cine no le impidió, sin embargo, continuar trabajando para el
teatro -su vocación primera- y la televisión, para la que produce y dirige Escenas de la vida conyugal en doble
versión, elaborando al mismo tiempo
una más concentrada para la pantalla grande.
En
1976 abandonó abruptamente su país al ser acusado injustamente de fraude fiscal
y se instaló en Munich, donde creó su propia productora. El huevo de la serpiente, De la vida de las marionetas datan de
estos años. De retorno a Suecia cuando se le dio la razón, rueda su película
más encantadora, Fanny y Alexander
(1982), una evocación poética de su infancia concebida también como su cálido
adiós al cine.
Poco
después Bergman decidió retirarse “por temor a no poder alcanzar el rigor
necesario en sus siguientes películas”, si bien retornó al cine en ocasiones (En presencia del clown, Sarabanda) que
demostraron que su arte depurado y personal visión del mundo seguían intactos.
Gran director de actores, supo rodearse de un maravilloso grupo hombres y
mujeres que dieron vida a los personajes que su imaginación creaba.
Aislado
por voluntad propia en la isla Faro, donde vivió retirado y siguió produciendo,
publicó sus memorias en dos magistrales volúmenes, Linterna mágica (1988) e Imágenes
(1990), y escribió guiones que cedió a otros directores, entre ellos su
hijo Daniel, su ex esposa la actriz Liv Ullmann y Bille August. Falleció
durante el sueño poco después de cumplir 89 años, cuando era considerado de
forma unánime uno de los cineastas más representativos de la segunda mitad del
siglo XX y uno de los pilares del séptimo arte. Su casa en Faro, convertida en
museo, es lugar de peregrinaje para cineastas y cinéfilos del mundo entero. Federico
de Cárdenas.
CRISIS
– Kris
Suecia, 1947 / Ficción / B/N / DVD / 95 min.
Dirección y guión: Ingmar Bergman, según la obra teatral Moderdyret de Leck Fischer. Intérpretes: Dagny Lind, Marianne
Löf, Inga Landgré, Stig Olin, Alan Bohlin.
Crisis narra el descubrimiento de la vida por Nelly, una joven
provinciana que vive con su madre adoptiva en un pueblito donde la paz y
serenidad parecen irrompibles. Pero todo cambia cuando decide marcharse a
Estocolmo con su madre biológica, que tiene como amante a un joven libertino
sin escrúpulos, el cual, naturalmente, intenta seducirla.
De este entrecruzamiento de situaciones, con frecuencia
sórdidas, nacían, en un clima y ambiente negros, las propuestas de la obra
futura de Bergman. El destino simbólico, el análisis psicológico a favor del
cual se oponen dos mundos paralelamente desilusionados: el de ayer, chirriante
y siniestro en el umbral de la vejez; el de hoy, asustado por la existencia y
ya desencantado, volviéndose en vano hacia los recuerdos de la infancia,
debilitados por el presente.
Primer largometraje dirigido por Bergman, donde se
nota un cierto clima existencialista, muy en boga en la época. En la
ocasión de su lanzamiento, algunos críticos se refirieron a la influencia del “cine
negro” francés, sobre todo de la obra de Marcel Carne. El aspecto un tanto
pesimista de la película, hizo que alcanzase un éxito restringido, tanto de
crítica como de público, en el lanzamiento.
LLUEVE
SOBRE NUESTRO AMOR – Det
regnar på vår kärlek
Suecia, 1946 / Ficción / B/N / DVD / 95 min.
Dirección: Ingmar
Bergman. Guión: Ingmar Bergman y
Herbert Grevenius, según la obra teatral Bra mennesker de Oscar Braathen.
Intérpretes: Barbro Kollberg, Birger Malmsten, Gösta Cederlund, Ludde Gentzel,
Douglas Hage.
El filme
comienza con un plano inspirado en Hitchcock: un grupo de personas bajo los
paraguas esperan el autobús. Todos suben a él, excepto un hombre, que se presenta
como el “Hombre del Paraguas”, es el narrador de la historia. David acaba de
salir de la cárcel, Maggie, quien tuvo la ambición de convertirse en actriz,
deja la ciudad. Dos personas solitarias, se encuentran en la Estación Central
de Estocolmo, deciden bruscamente, después de haber pasado juntos una noche,
unir sus destinos.
La pareja
de la historia son gente sin trabajo y sin habitación, luchan desesperadamente
por tener un hijo, en una sociedad donde el propietario, patrón, pastor y juez
son los representantes de una burguesía envejecida, además de hipócrita, se
opone a la juventud a través de sus instituciones y de sus convenciones implacables.
Clima implacable, en cuyo seno, como lo harán casi todos los personajes de
Bergman, los protagonistas volverán los ojos hacia su pasado.
BARCO
A LA INDIA – Skepp
till Indialand
Suecia, 1947 / Ficción / B/N / DVD / 98 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Ingmar
Bergman
y Martin Soderkjelm según su obra teatral homónima. Intérpretes: Holger Löwendler,
Birger Malmsten, Gertrud Fridh, Anna Lindahl, Lasse Krantz.
El título original sueco procede de
unos versos del poeta Gustaf Fronding (1860-1911), que convierte un lugar
geográfico distante, la India, en un país de ensueño. Alexander Blom, un padre
autoritario y capitán del barco, sueña con dejar su pequeña embarcación y
dirigir una nave grande rumbo a la India. Su esposa, Alice, ansía una pequeña
casa en el campo. Su hijo Johannes desea romper relaciones con sus padres. A
Sally, una chica de cabaret, le gustaría ser cuidada por un hombre al que amase.
Los cuatro sueños se entrecruzan y se destruirán el uno al otro.
La construcción rigurosa del guión da
una idea exacta de lo que va a ser “el estilo Bergman”, empezando por la
filosofía de vida de los personajes, que se contiene en esta frase, dicha por
Sally: “No se puede estar solo, pues estando solo bien se puede estar muerto”. Los
dos amantes se van juntos, pero ¿tomarán juntos “el barco a la India”? Es
evidente que el universo de Bergman, después de esta cinta que representa la
liquidación de las influencias Carné-Prévert, no es integralmente pesimista,
termina con la nota positiva de un compromiso. Lo importante, como Bergman ha
dicho, es no estar solo. La pareja se va al encuentro de la vida con un nuevo
impulso. Lo que parece profundamente original en estas dos películas “semi optimistas”
es la lucidez concedida a los personajes. Saben que su felicidad no durará,
quieren construir una felicidad del instante, pero sólo en el instante. Ni
desesperación integral, ni esperanza luminosa. Lo grisáceo de la existencia,
que continúa a pesar de todo…
MÚSICA
EN LA OSCURIDAD – Musik i
mörker
Suecia, 1948 / Ficción / B/N / DVD / 87 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Dagmar Edqvist, a partir de su novela homónima. Intérpretes:
Mai Zetterling, Birger Malmsten, Beng Eklund, Olof Winnerstrand, Naima
Wifstrand. Festival de Venecia: Nominada al Gran Premio
Internacional.
Birger es
un pianista al que un accidente en el campo de tiro deja ciego. Maï, una joven
obrera se interesa por él. El amor va a permitir que se rompa toda soledad.
Pero aparece un rival celoso que, a despecho de todas las reglas de humanidad,
golpea al ciego. Este, al fin, se siente feliz, pues alguien le ha considerado
como un hombre normal.
Éste fue
apenas el cuarto filme realizado por Bergman, y ya aparecen en él ciertos
rasgos que reiteraría en su carrera posterior las aspiraciones y los sueños de
la joven Maï se reflejan una y otra vez en un espejo como desdoblamiento y
evasión de una realidad ingrata. Birger, el personaje romántico, marcado por la
fatalidad, es, en el contexto moderno de Bergman, un héroe existencial que
habría leído a Kierkegaard. Con el tiempo Bergman aprendería que los mayores
enemigos de un amor son, simplemente, el tiempo y los mismos enamorados sin
necesidad de interferencias de terceros.
CIUDAD
PORTUARIA – Hamnstad
Suecia, 1948 / Ficción / B/N / DVD / 100 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman, según la novela homónima de Olle
Lansberg.
Intérpretes:
Nine-Christine Jönsson, Bergt Eklund, Erik Hell, Berta Hall, Mimi Nelson.
Al momento de la realización de este filme, según
propias declaraciones, Bergman estaba deslumbrado por el neorrrealismo italiano
y en particular, con la obra de Roberto Rossellini, por lo que sentía la
necesidad de hacer una película dentro de ese estilo. Ciudad portuaria cuenta la histotia de una joven, oprimida por su
madre puritana y su relación con un obrero portuario. Este filme incorpora una
de las ideas recurrentes de las primeras películas de la obra del director: el
enfrentamiento generacional y la hostilidad hacia el mundo de los adultos en
general, y las figuras paternas en particular.
La opinión sueca fue muy severa con este quinto filme.
Se reprochó a Bergman que mostrara la vida como si fuera una pesadilla, y
Bergman sintió que no podría durante mucho tiempo, encerrarse en un universo
puramente retórico, convertir en su heraldo a una pareja no integrada,
perpetuamente en lucha contra una sociedad bastante abstracta. Su reflexión sobre
el sentido de la existencia debía elaborarse de forma personal en lugar de ser
sugerida por fabulaciones tomadas en préstamo a novelas u obras de teatro. Los
fundamentos del universo bergmaniano estaban sentados.
EL
DEMONIO NOS GOBIERNA / PRISIÓN – Fängelse
Suecia, 1949 / Ficción / B/N / DVD / 78 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman, sobre su relato “Una historia
auténtica”.
Intérpretes:
Doris Svedlund, Birger Malmsten, Eva Henning, Stig Olin, Hasse Ekman.
El simbólico título original es una versión de Bergman
de “La puerta cerrada” de Sartre, una
descripción de la existencia humana donde el infierno son las otras personas.
Paul, un viejo profesor, le cuenta su idea para una película a su discípulo,
Martin, director de cine. La película comienza con una proclama del Diablo: la
vida humana es un infierno. En casa de Tomas, un joven escritor, cuyo
matrimonio con Sophia le ha llevado al borde del suicidio y el asesinato,
Martin cuenta la idea de su profesor. Tomas dice que cree tener a la protagonista:
Brigitta.
Primera película en que Bergman es autor completo,
guionista y realizador, es sin dudas, su obra más personal e interesante de los
inicios de su carrera. La cinta resulta un muestrario “en crudo” de todas las
obsesiones de Bergman, con notorias influencias del cine negro y del
expresionismo alemán. El demonio nos
gobierna, tiene una función transitoria entre el primer período bergmaniano
(el de los ensayos) y el segundo (el de las cintas elaboradas). Bergman tiene
clara conciencia de la posibilidad que le ha sido dada por su oficio de
expresar su universo personal. Esta exposición sartriana es preludio a
interrogaciones metafísicas más extensas. El tema del nacimiento y de la
muerte, considerado a través del hijo de Brigitte, tendrá desarrollos constante
y sucesivamente más profundos. El problema del amor y del matrimonio está
esbozado en las relaciones de la pareja Thomas-Sophia. A través de la aventura de
Thomas y Brigitte, la liquidación de un cierto romanticismo. Y el problema de la
creación de Dios, y la existencia están
claramente evocados.
LA
SED – Törst
Suecia, 1949 / Ficción / B/N / DVD / 88 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Herbert Grevenius, según el libro homónimo de
relatos cortos de Birgit Tengroth. Intérpretes: Eva Henning, Birger
Malmsten, Birgit Tengroth, Hasse Ekman, Bengt Eklund.
Bertil y
Rut, la pareja de La sed, ya no está
al margen de la sociedad. Está integrada en sí misma y sus propios problemas de
“existencia” se plantean en otro plano: el de la comprensión conyugal. Bertil y
Rut, han emprendido un viaje a Alemania, desde su compartimiento de tren
descubren con estupor, la destrucción de la guerra, un país en ruinas, en cuyas
estaciones se amontona una población de fantasmas tristes. También descubren
las ruinas de su felicidad, las fisuras que la miman, las cenizas frías de su
amor.
Mientras
el tren cruza un mundo de pesadilla, para ellos irreal, pero evidentemente
simbólico, hacen el balance de su unión. La introspección de su pasado los
conduce a la comprobación pesimista de su comprensión actual. Pero, no obstante
ello, seguirán unidos, incluso aunque la vida sea un infierno, pues lo
principal, lo importante, es ser dos, no estar solo, para enfrentarse a ella.
En lo estrictamente
fílmico, las diferencias con sus obras anteriores son inacabables, Bergman
comienza a mostrar una precisión asombrosa, para la construcción de planos
llevando mucho más lejos su potencia significativa. El uso del primer plano,
por ejemplo, comienza a tomar protagonismo y se pone en marcha lentamente ese
descubrimiento de lo que Deleuze llamará, en relación con el director sueco, la
“imagen-rostro” o “imagen-afección”.
Las
circunstancias que rodearon el rodaje fueron muy diferentes de las obras anteriores.
Si bien el punto de partida volvía a ser un material ajeno (una colección de
cuentos de Birgit Tengroth), en esta ocasión los cuentos tenían una innegable
altura narrativa y la mirada de Tengroth no era para “entretener a las masas”,
sino una verdadera voz propia de gran complejidad que entusiasmó a Bergman al
punto de invitarla a participar en la película como actriz.
HACIA
LA FELICIDAD – Till
gladje
Suecia, 1950 / Ficción / B/N / DVD / 98 min.
Director: Ingmar Bergman. Intérpretes: Maj-Britt Nilsson, Stig Olin, John
Ekman, Victor Sjöström, Birger Malmsten, Erland Josephson.
Stig se entera de que su esposa ha
muerto en un incendio. Ha sobrevivido su hijo, pero su vida esta destrozada.
Sus recuerdos ocupan el resto del filme, el comienzo de la historia de amor y
el penoso embarazo de Martha, las malas influencias de los extraños, su pasión
conjunta por la música. Precisamente Beethoven y el “Himno a la alegría” de la
Novena Sinfonía anunciará a Stig que aun puede buscar la felicidad.
La exploración del desarrollo y la
trágica culminación de una relación de pareja es uno de los temas que asoman en
esta evocación de la vida, los sueños y los fracasos de un violinista de
orquesta sinfónica, uno más de la larga serie de artistas que en la obra de
Bergman han examinado su trabajo como parte de sus inquietudes existenciales y
sentimentales. El resultado revela una madurez insólita y una nueva
sensibilidad de Bergman para atender los trances de sus personajes. En
perspectiva, es el muy valioso antecedente de la posterior culminación de Juventud divino tesoro.
JUVENTUD
DIVINO TESORO - Sommarlek
Suecia, 1951 / Ficción / B/N / DVD / 96 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Ingmar Bergman y Herbert Grevenius, según una
historia inedita del director sueco titulada “Marie”. Intérpretes: Maj-Britt
Nilsson, Birger Malmsten, Alf Kjellin, Annalisa Ericson, Georg Funkquist.
La
estructura de esta película nace y muere en la Ópera de Estocolmo, donde la
primera bailarina Marie es una mujer indecisa en el amor. El verano la ha
embriagado y la ha vuelto más voluble que nunca. Su tío Erland la lleva a hacer
un viaje sentimental por los momentos agridulces de su juventud. De nuevo en el
recuerdo, se enfrenta a la desgracia de su amado Henrik. Pero más suerte tiene
David, un solícito pretendiente que llega a conquistar su amor. Luego de su
excitante interludio de verano Marie descubre que la vida no es tan triste ni
tan alegre como creía, que puede ser desgarradora y a la vez plena de
expectativas.
Sin
modestia, Bergman afirma: “Juventud
divino tesoro es uno de mis filmes más importantes, aunque ahora pueda
parecer algo pasado de moda. A mi no me lo parece. Por primera vez tenía la
impresión de haber realizado algo personal, un filme que no se pareciera a
ningún otro, que fuera mío de pies a cabeza. Además esta película me gusta por
razones sentimentales, por una vieja y muy romántica historia de amor”.
Suecia, 1952 / Ficción / B/N / DVD / 109 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Anita Björk, Eva Dahlbeck, Maj-Britt
Nilsson, Aino Taube, Karl-Arne Holmsten, Birger Malmsten.
Un filme
de tres episodios narrados por tres mujeres que se encuentran solas en una isla
en espera de sus maridos, y deciden matar el tiempo contando los momentos más
excitantes de sus vidas. En el primero, Rakel narra la aventura de su
infidelidad, de cómo cometió adulterios con el anticuario Kaj. En el segundo,
Marta cuenta su historia de amor en París que terminó en matrimonio, y el
tercero, brillante y divertido, Karin y Frederick pasan la noche en el ascensor
atascado.
Uno de
los filmes más ligeros de Bergman, fue también uno de sus mayores éxitos: “En
aquel momento nada iba bien. Sólo podía hacer una cosa, un filme que gustara al
público. Era verdaderamente agradable pasearse la noche del estreno por el
vestíbulo del cine. Era la primera vez que veía a la gente reírse de una
película de la que yo era autor. ¡Se reían!”.
NOCHE
DE CIRCO / LA MUJER DEL PAYASO - Gycklarnas afton
Suecia, 1953 / Ficción / B/N / DVD / 93 min.
Dirección y guión: Ingmar Bergman. Intérpretes:
Ake Grönberg, Harriet Andersson, Hasse Ekman, Gudrun Brost, Anders Ek.
El circo
Alberti llega a una pequeña ciudad del sur de Suecia. Albert visita a su
exmujer quien vive en aquella ciudad apartada de la rutina circense; Anne, su
amante despechada, se entrega al galán de una compañía teatral. El payaso Frost
descubre su patética historia. La función de gala se convierte en un desastre
público. La caravana, resignada a su triste y humilde condición, reanudará su
marcha inacabable.
Este
drama pesimista y patético se apoya en una de las más perfectas construcciones
cinematográficas que Bergman haya logrado en su carrera, a merced de un juego
de alusiones y correspondencias entre diferentes personajes y diferentes situaciones.
Despreciada
por algunos críticos y con poca aceptación del público en el momento de su
estreno es, sin embargo, una de las cintas que más ha resistido el tiempo.
Bergman fascinado por el mundo del circo, por esa dialéctica de alegría fingida
y drama interior hizo de Noches de circo
un filme de análisis mordaz sobre el deseo, el sentimiento de culpa y la
vulnerabilidad humana.
ESCÁNDALO
MATRIMONIAL / UNA LECCIÓN DE AMOR – En lektion i kärlek
Suecia, 1954 / Ficción / Color / B/N / 96 min.
Dirección y guión: Ingmar
Bergman.
Intérpretes:
Eva Dahlbeck, Gunnar Björnstrand, Yvonne Lomberd, Ake Grönberg, Harriet
Andersson.
David Erneman, un ginecólogo que lleva
16 años de casado, cede a los encantos de su seductora paciente Sussanne, y se
enamora de ella haciendo peligrar su matrimonio. Su esposa Marieanne, se
traslada a Copenhague para encontrarse con su anterior novio, el escultor
Carl-Adam. Finalmente, a Marianne y David les costará más de un enredo rehacer
su feliz vida conyugal.
Una prolongación del tercer episodio de
Secretos de mujeres, Escándalo matrimonial es la comedia más
desenvuelta de Bergman, esta vez un maestro de la ligereza: “Me pasaba el día
leyendo libros divertidos sin pretensiones, estaba muy contento de la vida que
llevaba, me parecía muy aceptable. Para distraerme un poco, empecé a escribir
unas escenas sobre la vida conyugal. Eso me divertía mucho. Pensé en Gunnar y
en Eva como protagonistas… Dymling leyó rápidamente la sinopsis, me pidió que
fuera a verle, y poco después comenzamos el rodaje… es un filme muy ligero,
frívolo, supongo, además, que ahí reside su virtud”.
Suecia, 1955 / Ficción / B/N / DVD / 87 min.
Dirección y guión: Ingmar
Bergman. Intérpretes: Eva
Dahlbeck, Harriet Andersson, Gunnar Björnstrand, Ulf Palme, Ingra Landgre.
Se inicia
en un estudio de fotografía de modas, la historia termina de nuevo allí,
después de un viaje. Suzanne directora de una agencia de modas, lleva a Doris,
su modelo preferida, a Göteborg para la presentación de una colección de alta
costura. Suzanne quiere volver a encontrarse con su antiguo amante. Doris, que
ha reñido con su novio es abordada por un hombre mayor que la tienta con
diversos regalos. Dos retratos psicológicos notablemente trazados; pero en
Bergman no hay que tener en cuenta tan sólo la psicología. Sueños de mujeres es una película de la desilusión. Sueños a la
medida exacta del temperamento de cada una de las protagonistas. Sueños, o más
bien ilusiones, que se vienen abajo como un castillo de naipes. Suzanne que
trata de recobrar a su amante por los recuerdos, la ternura o el razonamiento,
despliega todas sus armas, de la misma manera que Doris, rechazando un collar y
haciéndose pasar por una chica de Scenic
Railway.
Sueños de mujeres es una
película tanto más acabada en su forma cuanto que su guión desdeña la solidez
de su construcción dramática. Una película que ofrece una serie de instantes de
la vida de dos mujeres en el mismo ambiente en que ellas evolucionan. Y Bergman
nunca es tan admirable como cuando entrega sus personajes tal como el mismo los
ve, llevando la identificación hasta el punto extremo en el que el espectador
debe preguntarse, al mismo tiempo que el actor: ¿Quién soy yo?
SONRISAS
DE UNA NOCHE DE VERANO - Sommarnattens
leende
Suecia, 1955 / Ficción / Color / B/N / 109 min.
Dirección y guión: Ingmar
Bergman. Intérpretes:
Eva Dahlbeck, Ulla Jacobsson, Harriet Andersson, Margit Carlqvist, Gunna
Björnstrand. Festival de Cannes: Premio “Humor poético”. Premio
Bodil: mejor película europea.
Hacia
1900, el abogado Frederick Egerman, un próspero abogado, se convierte en el
flamante y enamoradísimo marido de la joven y hermosa Anne. Sus mayores
obstáculos para ser el esposo feliz de Anne, son su hijo seminarista y Desireé,
una antigua amante que quiere reconquistarlo. En la noche de San Juan, las
parejas protagonizaran una pícara y exquisita charada.
Allí
asoman también varias constantes de la carrera de Bergman: la difícil
coincidencia de esa relación humana, la aspiración irrenunciable de buscar lo
hermoso y eterno. La posición es al mismo tiempo la de un poeta, la de un
humorista y la de un cínico, pero todos ellos son además Bergman, que es un amor
múltiple y un cinematografista de primera línea.
Bergman
aplicó nuevamente la fórmula de la comedia romántica, con una distribución de
actores y personajes brillantes que le hicieron ganar el Premio especial del
jurado de Cannes y un considerable éxito comercial: “Mi intención, una vez más,
era hacer un filme comercial… era necesario que me reconciliara con la Svensk
Filmindustri. Dymling me dio a entender que si presentaba un argumento
demasiado serio no contara con rodar aquel verano. Planteé un desafío técnico, basado
en una relación matemática: hombre-mujer, hombre-mujer, cuatro parejas en total.
Mezclo esas cuatro parejas y luego resuelvo la ecuación”
TRES
ALMAS DESNUDAS / EN EL UMBRAL DE LA VIDA – Nära livet
Suecia, 1958 / Ficción / Color / B/N / 84 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Ingmar Bergman, Bergman y Ulla Isaksson, según
su relato corto “Det vänliga, det värdiga (incluido en su libro Dödens faster).
Intérpretes:
Eva Dahlbeck, Ingrid Thulin, Bibi Andersson, Barbro Hiort af Hornäs, Erland
Josephson, Max von Sydow. Premio a la mejor dirección y premio colectivo a
la interpretación femenina en el Festival de Cannes.
Bergman acababa de terminar Las fresas salvajes, el director de
Nordisk Tonefilm le propuso realizar una película sacada de la obra de Ulla
Isaksson, una novela que se desarrolla en una clínica de maternidad, le proporcionaba
uno de los temas que le gustaba tratar, en particular después de una meditación
en el “umbral de la muerte”, iniciar una cinta cuyo tema era la meditación
sobre el nacimiento.
El aspecto médico no es lo que le interesa
a Bergman. La mujer queda sometida a la maldición bíblica. La razón de la mujer
es alumbrar. Por tanto, la mujer debe asumir su maternidad, cualquiera que sean
las consecuencias. Cecilia es castigada por la concepción que tiene del amor.
Stina no es suficientemente fuerte para sufrir la prueba necesaria del dolor.
Hjördis debe aceptar su maternidad. Bergman vuelve a sí mismo al abandonar la
moral social en beneficio de la simple moral individual humana, deja de
considerar la maternidad como una función, para examinarla como un fenómeno. Es
aquí donde comienza a intervenir la eficacia de la puesta en escena y el
universo bergmaniano se amplía un poco más.
La cinta se ha inspirado abiertamente
en los programas de televisión. Para acentuar la verdad documental de la
narración, Bergman contó con el consejo de un asesor médico y no quiso
maquillar a sus actrices. Una cámara de reportaje persigue a Cecilia, Stina y
Hjördis, las aísla en su habitación, y después las reintegra hábilmente, cuando
quiere, al ambiente general de la clínica. No es un trozo de vida neorrealista,
sino la vida misma, captada en un instante, y en esto, está de nuevo el autor.
Suecia, 1958 / Ficción / B/N / DVD / 102 min.
Dirección y guión: Ingmar
Bergman.
Intérpretes:
Max von Sydow, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Ake Fridell, Naima Wifstrand.
Festival de Venecia: Premio Especial del Jurado.
Una compañía teatral ambulante llamada “Teatro
Magnético y Terapéutico” de M. Vogler debe pernoctar en una inquietante
mansión. Pues uno de los actores parece estar muerto. El rostro es una historia extraordinaria, en ella se encuentra esa
facultad excepcional que tenía Bergman para reconstruir la atmósfera exacta de
un pasado. Aunque toma su inspiración en lo fantástico romántico, es una película
realista. Atraviesa el espíritu de una época todavía obsesionada por los fantasmas
de la literatura negra, pero tratando de obtener del progreso científico una
explicación racional a todos los fenómenos de apariencia sobrenatural.
Un filme con mucho de juego exterior, de comedia y de
sorpresa en la manera entretenida que Bergman adopta a menudo para alcanzar a
su publico. El tema básico es aquí la ilusión del arte, los juegos de apariencias
y realidad, los dobleces de sentimientos y conductas, mietras que los
conflictos de pareja ocupan un costado lateral en este ejercicio de prestidigitación
donde una sirvienta hermosa quiere ser seducida pero termina seduciendo a su
galán, y la pareja de magos oculta tras el aire frívolo y alegre de su espectáculo
los fantasmas de la angustia, los infiernos de la convivencia, las
interrogantes sobre el Bien y el Mal, la Vida y la Muerte.
LA
FUENTE DE LA DONCELLA – Jungfrukällan
Suecia, 1959 / Ficción / B/N / DVD / 88 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Ulla Isaksson, según la balada anónima del siglo
XIV Töres dotter I vänge. Intérpretes: Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel
Lindblom, Birgitta Pettersson, Axel Düberg. Oscar:
Mejor película de habla no inglesa. Nominada a Mejor vestuario en B&N.
Globo de Oro: Mejor película extranjera. Festival de Cannes: Mención especial.
Festival de Seminci: Espiga de Oro: Mejor película.
La fuente
de la doncella representa una nueva colaboración con la novelista Ulla
Isaksson, que había escrito el guión de En
el umbral de la vida. Esta vez recogió el argumento de la balada de “La
hija de Töre”, de Vangé, a su vez inspirada en una leyenda sueca del siglo XIV.
Un encuentro con el mundo de las sagas que inspiró desde siempre al cine sueco
y especialmente, a Stiller y Sjöstrom en la época del cine mudo.
La
historia se sitúa en una época en que el cristianismo se extiende por Suecia,
aunque en el país sobreviven tenazmente los cultos a los dioses paganos. En el
hogar de Töre, un rico granjero, conviven la religiosidad cristiana,
representada por su familia y el culto clandestino a Odin, mantenido por Igeri,
una joven adoptada que cumple roles serviles. Este personaje, cuya humillación
se acentúa por su estado de gravidez de origen bastardo, es la antítesis de
Karin, la hija del granjero, trasformada en símbolo de la pureza del ceremonial
cristiano. Es en medio de este conflicto donde sobreviene la tragedia, que
llevara a sus personajes a decisiones que comprometen su sentido de la justicia,
el sentimiento de culpa y la expiación redentora.
El mundo
medieval, con su violencia, sus rituales y creencias es recreado por Bergman
con la maestría demostrada en El séptimo
sello, destacando la riqueza de la ambientación y la cruda iluminación, que
da cuenta de un universo sobrio transitado por el misterio y la tragedia.
Suecia, 1960 / Ficción / Color / DVD / 87 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman, según la obra radiofónica danesa de
Oluf Bang Don Juan vender tilbag (Don Juan regresa). Intérpretes: Jarl Kulle, Bibi
Andersson, Nils Poppe, Gertrud Fridh, Stig Järrel, Gunnar Björnstrand.
Con El ojo del
diablo, Bergman ha vuelto sobre su
tema favorito: la lucha entre el bien y el mal, partiendo de un viejo proverbio
inglés: “La virginidad de una mujer es un orzuelo en el ojo del diablo”. El
diablo que Bergman presenta bajo el aspecto de un hombre de negocios, envia a
Don Juan a la tierra para que seduzca a la hija de un probo pastor. Don Juan
fracasa en el empeño y se enamora de la joven.
El filme tratado en estilo de comedia juega con la
realidad y la ficción, los límites entre ambas, son tan precarios como los que
existen entre la pureza y el pecado, entre el amor y el odio.
Suecia, 1961 / Ficción / B/N / DVD / 91 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Harriet
Andersson, Gunnar Björnstrand, Max von Sydow, Lars Passgard. Oscar:
Mejor película de habla no inglesa. Festival de Berlín: Premio OCIC. National
Board of Review: Top mejores películas extranjeras.
Primer
capítulo de la trilogía integrada por Luz
de invierno y El silencio, donde
Bergman encaró más directamente que nunca el tema de la ausencia de Dios, la
soledad, la agonía y la locura de los hombres. Primero había pensado titularlo El tapiz, pero luego prefirió hacerlo
con una referencia bíblica, un texto de San Pablo (Epístola de los Corintios
13, 12). Todo sucede en veinticuatro horas, en un lugar de veraneo, al borde
del mar, en Faön, y sólo con cuatro personajes: una joven, su padre, su marido
y su hermano.
El padre
es un autor de moda que no ha podido llegar a ser lo que ambicionaba. En este cuarteto,
es él quien cuenta los hechos, un poco al estilo de un conferencista, situado
en un espacio abstracto “entre el cielo y el infierno”.
Cuatro
personajes en un ejercicio ascético y riguroso como pocos, donde los diálogos
familiares van delineando a los personajes y sus caracteres; la locura puede
ser una forma de acceder a planos superiores, quizá al encuentro con la
divinidad. El signo del filme es la profundidad de sus sentidos, que
comprometen como pocos la reflexión de su espectador.
LUZ
DE INVIERNO / LOS COMULGANTES - Nattvardsgästerna
Suecia, 1962 / Ficción / B/N / DVD / 80 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Ingrid Thulin,
Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Gunnel Lindblom, Allan Edwall. Seminci:
Espiga de Oro: Mejor película. National Board of Review: Top mejores películas
extranjeras.
Luz de invierno se ubica en el centro de una trilogía,
junto a Como en un espejo y El silencio. Los temas que recorren son
el silencio de Dios, la agonía y la soledad de seres dominados por la duda y
agobiados por el desamparo. Cuenta la
historia de un pastor luterano que espera una respuesta de Dios y experimenta
la angustia cruel de su silencio. Tomas sufre una crisis tanto en su fe, como
en su vida afectiva. No ha logrado superar su viudez y su religiosidad ingenua
y sin conflictos, se ha visto resquebrajada hasta el derrumbe. Por otra parte,
su relación con Marta, una maestra de la localidad, ha llegado a un punto en
que refleja ese “infierno de la convivencia”, recurrente en la obra de Bergman.
La relación de este filme con la educación religiosa
de Bergman queda explicada en esta anécdota: “Cuando preparaba Luz de invierno
visité con mi padre iglesias de la región de Uppland. En una de ellas, el
sacerdote anunció que no se encontraba bien y que acortaría el servicio. Mi
padre, que no oficiaba hacía tiempo, que estaba viejo y acabado, se encolerizó,
se dirigió a la sacristía, y acompañó el oficio de principio a fina. En ese
momento obtuve el final del filme. “Pase lo que pase debes decir tu misa”. Es
más importante para ti que para los feligreses. Si también es importante para
Dios, ya lo veremos. Si no hubiera otro Dios que tu esperanza, también sería
importante para ese Dios”.
Suecia, 1963 / Ficción / B/N / DVD / 96 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Ingrid Thulin,
Gunnel Lindblom, Jörgen Lindström, Haakan Jahnberg, Leif Forstenberg. Premios
Guldbagge (Suecia): Mejor película, director y actriz (Thulin).
La
película se inicia en un vagón de tren en el que viajan Ester y Anna y el hijo
de esta última. Ester parece enferma de cierta gravedad, lo que les obliga a
parar en un extraño país europeo que parece estar en guerra y en el que se
habla un idioma desconocido. Es en ese entorno del "mal silencio", del silencio tenso propio de la
incomunicación y de los sentimientos que simbolizan ese extraño país y el
espectral hotel por el que deambula Johann, donde finalmente va a estallar el
conflicto entre ambas hermanas en el que el odio es el sentimiento básico que
las une.
Como había hecho en su versión de “Ur Faust” para
sugerir que Fausto y Mefistófeles son sólo uno, aquí también Bergman ofrece la
clave de esa convivencia infernal. La incomunicación es aún más desgarradora
porque existe incluso dentro de cada ser. Por eso, al margen de su dimensión
dramática, El silencio puede y debe
ser analizada también como una declaración metafísica. De los tres personajes
centrales del filme, el único que parece inmune a la corrupción, al dolor, a la
náusea del mundo, es el niño Johan. Parece atravesar la película sin que nada
le suceda, el rostro impávido, algo frío y formalizado, como si estuviera más
allá del Bien y del Mal. El silencio
se propone alcanzar una dimensión más transcendental y para ello, por los
intersticios del drama pasional y de la simbología psicoanalítica, Bergman ha
puesto un mensaje religioso en la figura del pequeño Johan, llamado el cuarto
evangelista.
Este niño que aparece situado entre las dos hermanas,
que pasea por los corredores del hotel o se asoma a las ventanas, no sólo
simboliza la inocencia de la infancia que lo registra todo para descifrarlo
luego en su vida de hombre, no sólo es vehículo de una interpretación metafísica,
sino que también representa al artista que está obligado a transcribir
simbólicamente el horror y el significado del mundo.
NI
HABLAR DE ESAS MUJERES – För att
inte tala om alla dessa kvinnor
Suecia, 1964 / Ficción / Color - B/N / DVD / 80 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: “Buntel Ericson”, seudónimo conjuntamente
empelado por Ingmar Bergman y Erland Josephson. Intérpretes: Bibi Andersson,
Harriet Andersson, Jarl Kulle, Eva Dahlbeck, Mona Malm. Karin Kavli.
A través
del crítico Cornelius, encargado de escribir la biografía del gran maestro del
violonchelo que ha hecho de su música un arte incomparable, se narra la
película utilizando para ello los puntos de vista que aportan al biógrafo tanto
la mujer del músico como sus seis amantes.
Bergman
abandona el problema del silencio del Creador (Dios) para estudiar el silencio
del creador (el artista). Para ello, Bergman se plantea los fundamentos de su
arte, analiza su postura como creador y reflexiona sobre sí mismo como hombre y
como artista. Bergman habla a la vez del cine y el teatro. De ahí la abundancia
de planos generales fijos, de composición simétrica, decorado escénico y
numerosas entradas y salidas de los actores. Bergman ha cambiado su forma de
relación con el espectador. Hasta esta película, había sido lo que, un poco
vagamente, se suele llamar cineasta “tradicional”, pero desde esta cinta
Bergman pasa a hablar en primera persona, expresándose a través de las formas
mismas y no por medio de la historia o los personajes. Esto le lleva a exigir
un espectador consciente, distanciado y activo.
Ni hablar de esas mujeres es un
filme provocador y molesto: el crítico malparado y puesto en ridículo, queda
desarmando e indeciso ante la cantidad de trampas que le tiende la obra, y el
espectador normal se ve obligado a adoptar una incómoda posición crítica.
LA
HORA DEL LOBO – Vargtimmen
Suecia, 1968 / Ficción / B/N / DVD / 88 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Max von Sydow,
Liv Ulmann, Eerland Josephson, Gertrud Fridh, Ingrid Thulin. National
Board of Review: Mejor actriz (Liv Ullman).
“La hora del lobo es el momento entre la noche y la
aurora, cuando la mayoría de la gente muere y la mayoria de los niños nacen,
cuando el sueño es más profundo, cuando las pesadillas son más reales, cuando
los insomnes se ven acosados por sus mayores temores, cuando los fantasmas y
los demonios son más poderosos”
Johan es un pintor que pasa el verano en una isla
acompañado de su esposa Alma, Johan es atacado por visiones extrañas y
perturbadoras. Al poco tiempo ella también comenzará a experimentar
alucinaciones.
“La hora del
lobo se desarrolla en un mundo de fronteras imprecisas”, escribió Bergman.
Incluso en el primer borrador, titulado “Los naúfragos”, anota que quería
crear: “una ambigua separación entre deseos y sueños. Series enteras de
personajes misteriosos”
Bergman corta los caminos de comunicación con el
público, como también entre los personajes. Alma se interna en el bosque oscuro
de Johan y allí cree encontrarle. Lo abraza y –por fundido encadenado- descubre
estar ante otra persona. El resto de la escena transcurre al otro lado del río
y ella lo contempla como espectadora. La pelicula resalta entonces la materialidad
del celuloide y, en consecuencia, la irrealidad del episodio narrado. Mientras
Johan fracasa en sus pruebas, la iluminación esta fuera de su alcance. Como los
demonios del castillo, ha queda atrapado para siempre en la hora del lobo, en
el inferno de sí mismo.
LA
VERGÜENZA – Skammen
Suecia, 1968 / Ficción / B/N / DVD / 102 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Liv Ulmann, Max
von Sydow, Sigge Fürst, Gunnar Björnstrand, Birgitta Valberg. Globos de
Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa. National Board of Review:
Mejor película de habla no inglesa. Premios
Guldbagge (Suecia): Mejor actriz (Ullmann). National Society of Film Critics: Mejor
película, director y actriz. Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor
película extranjera.
Jan y Eva
Rosenberg, viven en una isla, completamente apartados del mundo. Llevan una
vida sencilla y apacible, hasta que un día llegan unos soldados y todo cambia
radicalmente. Con ciega brutalidad, la guerra sigue su curso con su cortejo de
incendios de napalm, de sumarias ejecuciones, de redadas y de torturas.
Existe
una maldad que no se puede explicar; una maldad virulenta y terrible que, de
entre todos los animales, solo el ser humano posee. Una maldad irracional y que
no está sujeta a ley alguna. Cósmica, gratuita, inmotivada. No hay nada de lo
que tengan tanto miedo los hombres como de esta maldad incomprensible e
inexplicable. (Bergman)
Jan, al
inicio del filme cuenta a su esposa Eva el sueño de la pasada noche, un sueño
enclavado en el pasado, en el que ambos eran músicos de orquesta. Y concluye
con el relato de otro sueño, el de Eva, el de un futuro arrancado por la
guerra, en el que ella ha olvidado algo que no puede recordar. Sin embargo, La vergüenza no solo transcurre entre
dos sueños, y dos tiempos imposibles –el pasado irrecuperable y el futuro
denegado-, sino también entre el caos, la guerra en la periferia, donde la
confusión es total y nadie sabe nada.
Bergman
deja suspendida la pregunta del sentido cuando la vida se reduce a la
supervivencia. También el interrogante sobre el sentido del arte queda flotando
a la deriva. Lejos de cualquier búsqueda de Dios, el veredicto de La vergüenza es terrible: Dios no existe
o, como hubiera exclamado Ingmar adolescente: “¡Y si existe es un dios
claramente desagradable, mezquino, rencoroso y arbitrario, eso es lo que es
Dios!”.
EL
RITO – Riten
Suecia, 1969 / Ficción / B/N / DVD / 72 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Ingrid Thulin,
Gunnar Björnstrand, Anders Ek, Erik Hell, Ingmar Bergman.
Tres
actores acusados de pornografía enfrentan a un juez, para confundirlo,
inquietarlo y finalmente destruirlo en una representación de rito esotérico a
puertas cerradas.
“El rito
es el juego entre al artista y su público, entre el artista y la sociedad. Esas
injerencias recíprocas de humillaciones y necesidades. Es un rito” (Bergman).
El rito
compendia algunos de los temas recurrentes en el cine de Bergman y realiza una
aportación esencial a su discurso sobre el arte. Compuesto de nueve escenas en
torno al juicio por obscenidad al que son sometidos los tres miembros de una
compañía teatral. A través de ellos, Bergman se desdobla en sus tres facetas
artísticas: Sebastián, “irresponsable, libertino, caprichoso, infantil,
apasionado, siempre a punto del colapso, pero probablemente creativo”; Hans,
“ordenado, muy disciplinado, con sentido de la responsabilidad” y Thea, “un
intento semiconsciente de dar forma a la intuición, no es constructiva ni
destructiva. Los tres están indisolublemente unidos. Fue un intento ambicioso
de dividirme para entender y presentar cómo funciono realmente” (Bergman).
El cuarto
personaje, el juez Abrahamson abre el filme examinando las fotografías de los actores.
En lo sucesivo, intentará escrutarlos más allá de lo que atañe al caso, penetra
en ellos. Es un profano que trata de adentrarse en los procesos de la creación
e, inadvertidamente, traspasa el terreno de lo sagrado. Su transgresión será castigada
en un rito pagano.
LA
PASION DE ANA - En
passion
Suecia, 1969 / Ficción / Color / DVD / 100 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Liv Ulmann, Bibi
Andersson, Max von Sydow, Erland Josephson, Johan Andersson. Círculo
de Críticos de Nueva York: Nominada Mejor película y Mejor actriz (Ullmann).
Andreas, vive
en una pequeña isla del Báltico. Allí conoce a una pareja de artistas Ellis y
Evan Vergerus, y a Anna, una joven con un matrimonio infeliz. Anna se muda a la casa de
Andreas, pero surgen tensiones y conflictos que amenazan con destruir la
floreciente relación entre ambos.
Partiendo de dos conceptos iniciales: la soledad
irremediable en que coloca la sociedad al individuo y la generación de violencia en todos los aspectos de la
realidad, Bergman lleva a cabo en este filme una asombrosa complejidad de los
factores expresivos y la sutileza de quien domina su oficio. De esta manera, La pasión de Ana resulta de una densidad
conceptual desacostumbrada, cuyos niveles de lectura exigen un considerable
esfuerzo por parte del espectador. Andreas, al igual que los otros personajes que
conforman la película, vive en un pequeño mundo inexpugnable; sin embargo, al
relacionarse con otras personas, cada una de ellas construirá, sin prescindir
de los anteriores, otro pequeño mundo de acuerdo a sus nuevas necesidades,
mundo que sin negar el anterior se añadirá al de origen y así consecutivamente
según se ramifiquen las relaciones sociales.
GRITOS
Y SUSURROS - Viskningar
och rop
Suecia, 1972 / Ficción / Color / DVD / 91 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Harriet
Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin, Liv Ulmann, Erland JosephsonAnders Ek. Oscar: Mejor
fotografía. Premios David di Donatello: Mejor director extranjero y David
Especial al reparto. Festival de Cannes: Gran Premio Técnico. National
Board of Review: Mejor director y Film extranjero. Premios
Guldbagge (Suecia): Mejor película y actriz (Andersson).
El filme
está organizado en torno al artificio y a la corporalidad. Lo que Thomas
Elsaesser denomina la “mera presencia de cuerpos en los filmes de Bergman”, se
convierte aquí en un hecho más que incontestable. Situado a principios del
siglo XIX, el filme articula su dimensión narrativa a través de las cuatro
mujeres protagonistas mediante una práctica que participa de una constante
afirmación y borrado de sus estrategias enunciativas. Narra la historia de tres hermanas que al
lado de una sirvienta se reúnen en la casa de su infancia tras la grave enfermedad de la hermana menor. Esto
dará lugar a una serie de reminiscencias o fantasías que convierten a la casa
en el espacio principal de todas las interacciones. Cada uno de estos recuerdos
es presentado por medio de “secuencias en primera persona” desde lo que parece
ser el punto de vista de cada protagonista.
El filme
está lleno de datos sin más función en el relato que la de proporcionar ciertos
“indicios” que configuran determinado “clima” o determinada “psicología”. No
obstante, estos indicios son tremendamente simples, elementales, no tienen
espesor, aparecen completamente planos y nítidos en el relato. Esa
elementalidad configura una de las características principales de Gritos y susurros.
ESCENAS
DE LA VIDA CONYUGAL / SECRETOS DE UN MATRIMONIO - Scener ur ett äktenskap
Suecia, 1973 / Ficción / Color / DVD / 168 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Liv Ullmann,
Erland Josephson, Bibi Andersson, Jan Malmsjö, Anita Wall. Premios
BAFTA: Nominada a Mejor actriz (Ullman). Premios David di Donatello: Mejor
actriz extranjera (Ullman). Globo de Oro: Mejor película extranjera. Nominada a
Mejor actriz (Ullman). Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Ullman)
y mejor guión.
El matrimonio
formado por Johan, profesor de Psicología y Marienne, abogada, recibe una noche
en su casa la visita de sus amigos Peter y Katerina. Al poco tiempo de estar
juntos, sus amigos empiezan una fuerte discusión en la que Johan y Marienne
intentan mediar sin éxito alguno. Cuando se quedan solos piensan en todo lo que
les ha pasado en su matrimonio durante los diez años que llevan juntos.
En la
superficie están las contrariedades de un matrimonio que incluyen el maduro
pormenor de los desencantos, rutinas, indulgencia e ironías que suelen tener
los años de vida en común. Ese doble retrato tiende a la lucidez perforada que
Bergman ha otorgado a otros cuadros conyugales, pero se amplia más adelante a
la más vasta exploración del desgaste que provoca esa vida compartida. Así, el
filme se transforma en un catálogo de la erosión, pero también del sentimiento
de estrategia y sabiduría, que va produciendo la convivencia.
Escenas de la vida conyugal es
también una serie de TV de seis largas horas que Bergman edita para una versión
cinematográfica magistral, que permite reconocer en ella cosas que le han
sucedido a la pareja en su vida sentimental, por ejemplo: la excesiva familiaridad
entre marido y mujer, el peso de la rutina, la aparición del tedio, los
reproches, la infidelidad y las traiciones, los enganches sexuales y
emocionales. Y también, reconocer que esas personas son “temerosas, alegres,
egoístas, tontas, buenas, sensatas, abnegadas, afectuosas, irascibles,
indulgentes, sentimentales, insoportables y adorables”, según sostiene el
propio Bergman.
LA
FLAUTA MÁGICA – Trollflöjten
Suecia, 1975 / Ficción / Color / DVD / 135 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Josef Köstlïnger, Irma Urrila, Hakan
Hagegard, Elizabeth Erikson, Jane Darling. Nominada
al Oscar: Mejor vestuario. Globos de oro: Nominada Mejor película extranjera.
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera.
Un giro
en cierto modo inesperado en la carrera de Bergman: la versión de una ópera de
Mozart así como una prueba de respeto por el autor, un documento distanciado de
su representación, un punto de vista personal que modifica los sentidos
profundos de la obra. Y al mismo tiempo una demostración de la amplitud de
intereses de Bergman, que suele alternar teatro, ópera, ballet, cine, libretos
y obras literarias, y que a veces descansa de sus búsquedas de Dios, sus
aproximaciones a la muerte y otras torturas. Puede parecer más un pasatiempo
que un empeño creativo, pero todo es brillante y admirable.
Bergman
aborda la representación operística de “La flauta mágica” con una meticulosa
fidelidad. Se la ofrece a los espectadores sin ocultarles ni un efecto de
trucaje y descubriendo el espacio teatral. Aún así o, quizá por eso, la
intimidad de los personajes y los actores es transmitida intensamente. Tampoco
escapan a la cámara, las miradas y gestos de algunos espectadores, en perfecta
comunión con la fantasía de Mozart.
Obra muy
peculiar en su filmografía, La flauta
mágica, es el homenaje de Bergman a la comunión de la música y el teatro, y
a los temas esenciales de Mozart, ofrecidos con el encantamiento de un sueño:
“Propuse a la radio y la televisión de Suecia hacer una versión de la ópera de
Mozart. Respondieron con dudas y desconciertos. Si el jefe de la sección
musical no hubieran intervenido con energía y entusiasmo el proyecto nunca se
hubiera realizado… Durante mi carrera no he hecho muchas producciones
musicales. El motivo es embarazoso: mi amor por la música apenas es
correspondido”.
CARA
A CARA - Ansikte
mot ansikte
Suecia, 1976 / Ficción / Color / DVD / 136 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Liv Ullmann, Erland Josephson, Aino
Taube, Gunnar Björnstrand, Kari Sylwan. Oscar: Nominada
a Mejor director y mejor actriz (Ullmann). Globos de oro: Mejor película
extranjera. Círculo de Críticos de Nueva
York: Mejor actriz (Ullmann).
Bergman narra aquí la crisis en que cae la
protagonista, una psiquiatra que debe pasar un tiempo en casa de sus abuelos
mientras le terminan su nueva casa. El marido está de viaje, la hija en un
campaneto, una cadena de acontecimientos empujará a Jenny a un retorno a las
experiencias infantiles, sus relaciones familiares, un vínculo equívoco y un
intento de suicidio.
La visualización de los sueños y la corporización de
los fantasmas van interrumpiendo el relato de la crisis personal de la
protagonista. Las secuencias perfectamente realistas se hallan mezcladas con
otras que rozan la farsa, como la de la fiesta de la mujer millonaria, o con
alguna gravemente inquietante como la del intento de violación en la casa
vacía. Esquemático como caso psicoanalítico, el filme deja ver el dominio que
Bergman ejerce sobre su medio expresivo y especialmente por las actuaciones que
es capaz de extraer de su notable elenco.
EL
HUEVO DE LA SERPIENTE - Das
Schlangenei
Alemania-EE UU, 1977 / Ficción / Color / DVD / 120
min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: David Carradine,
Liv Ullmann, Gert Froebe, Heinz Bennent, James Whitmore.
El norteamericano Abel Rosenberg un
artista circense y su cuñada Manuela, cuyo esposo ha muerto repentinamente
después de fuertes dolores de cabeza, tratan de sobrevivir de la mejor manera
posible, ella en un cabaret y él trabajando a despojo aquí y allá.
En este filme, Bergman ofrece una
demostración de su capacidad, inteligencia y sensibilidad a través de su
propuesta reflexiona sobre la posibilidad
de destrucción total de las capacidades humanas a partir de una locura
provocada artificialmente. Sitúa la acción en una Alemania destruida por la
primera guerra mundial, con inflación, degradación y el ultranacionalismo
abriendo camino al nazismo, locura colectiva que juega en paralelo con la
provocada por un doctor diabólico. Filme rodado en una Alemania que se
autodenomina socialdemócrata y en la que pasan cosas raras y paradójicas, la
cinta resulta, una vez más, una advertencia digna de su autor y, al mismo
tiempo, una recuperación por parte de él mismo de una libertad temática que
rompe el aislamiento al que se había condenado.
DE
LA VIDA DE LAS MARIONETAS - Aus dem
Leben der Marionetten
Alemania, 1980 / Ficción / Color / DVD / 104 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Robert Atzorn,
Martin Benrath, Rita Russek, Christine Buchegger, Lola Müthel. National
Board of Review: Mejores diez películas extranjeras.
Peter
Egerman comete un horrible crimen. Él viola y estrangula a una prostituta. Del
caso se ocupa el psicoanalista Mogens Jensen, pues Egerman ya le había
confesado en la consulta el deseo de asesinar a su mujer. Según avanza el
filme, se van rebelando las motivaciones que le han llevado al crimen.
“Ciertas formas de conducta humana, el
cinismo político y la depravación final de los sentimientos, me provocan una
voluptuosa aversión, pero eso es sólo la mitad de la verdad. Al mismo tiempo
siento la necesidad de manifestar las posibilidades del amor, la riqueza del
instante, la capacidad humana para lo bueno”. (Bergman).
El cine de Bergman versa sobre la
condición humana y parece saber que cualquier signo, gesto, vivencia,
sentimiento, desgarro, está ahí esperando ser escuchado. En De la vida de las marionetas, altera la
temporalidad del relato a la manera del inconsciente que no conoce el tiempo
cronológico ni la contradicción sino el tiempo lógico y la posición del ser. El
filme se divide en secuencias introducidas por un cartel que data con precisión
la fecha en que transcurre la acción de la escena. Y aunque Peter es
evidentemente el objeto principal de la trama, Bergman se interroga con lucidez
y honestidad por la complejidad de las relaciones de los personajes que llevan
al acto final (prólogo) y a lo obtenido de él (epílogo).
INGMAN BERGMAN: TELEVISIÓN
DESPUÉS
DEL ENSAYO - Efter
repetitionen (TV)
Suecia, 1984 / Ficción / Color / DVD / 70 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Erland Josephson, Ingrid Thulin, Lena
Olin, Nadja Palmstjerna-Weiss, Bertil Guve. Círculo
de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película extranjera. Festival de
Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso).
Este filme, realizado para la TV, es una obra
minimalista, el protagonista es, al igual que Bergman, un director de teatro. Es
un hombre mayor, sin embargo, aún conserva la ilusión por seguir trabajando,
aunque en otros aspectos se muestre cansado y melancólico con algunas de las rutinas
como quedarse en soledad tras el ensayo de alguna obra, para meditar y
recordar.
Después
del ensayo es un testimonio revelador, una
reflexión a tres voces sobre algunas obsesiones persistentes en Bergman: el
arte, al amor, la soledad y el sentido último de la vida.
EN
PRESENCIA DE UN CLOWN – Larmar
och gör sig till (TV)
Suecia, 1997 / Ficción / Color / DVD / 116 min.
Dirección y
guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Börje Ahlstedt, Marie Richerdson,
Eerland Josephson, Pernill August, Anita Björk. Festival
de Cannes: Sección "Una cierta mirada".
Filme
hecho para la televisión, narra la historia de Carl Åkerblom, un melómano que
está recluido en el hospital psiquiátrico de Uppsala, para quien su única
salida, es emprender una producción cinematográfica sobre la vida del ilustre
Schubert. Estamos a comienzos del siglo XX y el cine sonoro aún no existe, por
lo que el reto de nuestro héroe es lograr que las imágenes en movimiento,
cobren vida gracias a la música del maestro. En su empresa, lo ayudan un colega,
el profesor Osvald Vogler y su prometida Pauline Thibault, víctima del intento
de asesinato que llevó a Carl a la reclusión. Pero no es el cine sonoro su
única obsesión. También la muerte, que él sabe cerca y se hace presente en la
figura de un payaso.
En presencia de un clown constituye
una síntesis del Bergman más puro: el despliegue de sus temáticas tradicionales
está presente, pero esta vez con un grado de condensación que deja de lado todo
lo exterior. Bergman, introduciendo de forma más explícita características de
su propia biografía, a través de un lenguaje íntimo, pero distanciado
irónicamente, se aleja de su obra y logra un producto aun más esencial.
CREADORES
DE IMÁGENES - Bildmakarna
(TV)
Suecia, 2000 / Ficción / Color / DVD / 100 min.
Dirección: Ingmar Bergman. Guión: Per Olov Enquist. Intérpretes: Anita Björk,
Carl Magnus Dellow, Lennart Hjulström, Elin Klinga, Henry ’Nypan ‘Nyberg.
Bergman,
llevaba sin filmar en cine desde 1982 con Fanny
y Alexander, pero sí se había dedicado a documentales televisivos, en el
2000 se embarcó en un proyecto llamado Creadores
de imágenes. Un telefilme que contó con la colaboración en el guión del
escritor Per Olov Enquist, para homenajear a cuatro admirados artistas suecos
que giran en torno a La carreta fantasma.
Creadores de imágenes es una versión
ficticia de la filmación real de aquella venerable película. Aparte de
Sjöström, las otras tres personalidades que se reúnen durante el rodaje son la
autora de la novela en que está basada la cinta, Selma Lagerlöf, una de las
actrices del filme, Tora Teje, y el fotógrafo de Sjösman, Julius Jaenzon.
El
encuentro que narra Creadores de imágenes
se produce en los famosos estudios de la Svensk Filmindustri, donde se filmó La carreta fantasma (y la inmensa
mayoría de las películas de Bergman). De alguna forma se cierra un círculo de
admiraciones, de reverencias y de homenaje del cine al cine.
INGMAN BERGMAN: GUIONISTA
TORTURA
– Hets
Suecia, 1944 / Ficción / B/N / DVD / 101 min.
Director: Alf Sjöberg. Guión: Ingmar
Bergman.
Intérpretes:
Stig Järrel, Alf Kjellin, Mai Zetterling, Olof Winnerstrand, Gösta Cederlund. Cannes:
Gran Premio del Festival (Ex-aequo). Festival de Venecia: Sección oficial a
concurso. - V.O. doblada al español.
A inicios
de los años 40, época en que se encuentra trabajando como guionista en Svensk
Filmindustri, un joven Ingmar Bergman recupera un relato que había escrito
sobre su último año de bachillerato y lo transforma en el que será su primer
guión original Tortura, una historia crítica
sobre el sistema educativo sueco.
La
estupenda adaptación dirigida por Alf Sjöberg, uno de los más prestigiosos
cineastas suecos del momento, le supone también a Bergman la ocasión de
colocarse por primera vez tras la cámara, al encargársele la dirección de la
última escena aunque sin acreditar.
Un
profesor de latín, apodado Calígula por su carácter paranoico, goza
persiguiendo a uno de sus alumnos, Jan-Erik Widgren, y satisface su sadismo en
una joven vendedora de un estanco llamada Bertha. Widgren se enamora de Bertha,
sin saber que ella también se relaciona con Calígula.
LAS
MEJORES INTENCIONES - Den goda
viljan
Suecia, 1992 / Ficción / Color / DVD / 181 min.
Director: Bille
August. Guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Samuel Fröler, Pernilla August, Max von Sydow, Ghita Norby,
Björn Kjellman. Cannes: Palma de Oro: Mejor película, mejor actriz.
Premios Guldbagge (Suecia): Mejor actriz (Pernilla August) y guión.
En 1982
Bergman dirigió Fanny y Alexander,
una especie de recapitulación de los grandes temas abordados en su filmografía,
por otro lado también se erige en una especie de ensayo anticipado de lo que
serán sus obras posteriores, en las que él y su propia familia serán motivo de
un minucioso examen. El primer capítulo de la reconstrucción genealógica es un
cortometraje titulado El rostro de Karin,
sobre su madre.
Para
contar el segundo capítulo de la historia Bergman, elige a uno de sus más versados
discípulos cinematográficos, el danés Bille August. Las mejores intenciones, reconstruye la vida de Henrik y Karin
desde la primera juventud, cuando vivían con sus padres, hasta el segundo
embarazo de Karin. El mensaje de la película exhala una profunda compresión
hacia unos personajes inspirados directamente en sus padres, con un desarrollo
de la trama en el que no se escatiman detalles acerca de la vida íntima
familiar.
NIÑOS
DEL DOMINGO – Söndagsbarn
Suecia, 1992 / Ficción / Color / DVD / 118 min.
Director: Daniel
Bergman. Guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Thommy Berggren, Henrik Linnros, Lena Endre, Jacob Leygraf,
Anna Linnros. Premios Guldbagge (Suecia): Mejor fotografía y
nominada a mejor actor (T. Berggren). Festival de Montreal: Mejor contribución
artística.
Para contar el tercer capítulo de la
saga, elige a su hijo, Daniel Bergman. En esta ocasión la historia se construye
a partir de un largo paseo en bicicleta que Ingmar hiciera junto a su padre.
“Un domingo mi padre tenía que predicar en la capilla de Amsberg. La mañana
amenazaba tormenta. Caían pesadas gotas sobre el polvo del camino haciendo
surcos y dibujos. Yo dije: “Así deberíamos dar la vuelta al mundo tú y yo. Mi
padre se echó a reír y me entregó el sombrero para que se lo guarde, estábamos
los dos de buen humor”.
Rememora la relación de Ingmar con su
padre, el pastor Henrik Bergman. Al igual que sucede en la película anterior;
la trama de la historia deja entrever algunos pasajes un tanto delicados de la
intimidad familiar de los Bergman-Akerblon.
ENCUENTROS
PRIVADOS - Enskilda
samtal
Suecia, 1996 / Ficción / Color / DVD / 131 min.
Director: Liv
Ullmann. Guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Max von Sydow, Pernilla August, Samuel Froler, Anita Björk,
Viberke Falk. Valladolid: Premio de la Crítica Internacional. Premio
Mejor Actriz (August). Festival de Chicago: Hugo de Plata - Mejor actriz (August)
Encuentros privados viene a
ser una justificación de los altibajos emocionales del pastor Henmrik, a partir
de la confesión de la infidelidad matrimonial de su esposa Karin. Ella es la
auténtica protagonista de la historia, en un personaje magistralmente
interpretado por Pernilla August, esposa del director Bille August.
Pese a lo
que en principio pueda desprenderse, las virtudes del filme no se limitan a la
profundidad de su contenido, sino que se extienden también a su lenguaje. Liv Ullmann demuestra con este filme ser su
alumna más aventajada.
INFIEL
- Trolösa
Suecia, 2000 / Ficción / Color / DVD / 155 min.
Director: Liv
Ullmann. Guión: Ingmar Bergman. Intérpretes: Lena Endre, Erland Josephson, Krister Henriksson, Thomas
Hanzon, Michelle Gylemo. Premios Guldbagge (Suecia): Mejor actriz (Endre).
Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película). Premios Sant
Jordi: Mejor Actriz Extranjera (Endre).
Con Infiel, Bergman sitúa la reconstrucción
genealógica en su propio devenir como individuo adulto, aunque sin abandonar el
contexto de la familia. El punto de partida del guión son las reflexiones de un
octogenario director de cine y autor teatral –el propio Bergman-, quien al
sentir que se acerca el final ve desfilar por su mente los recuerdos de una
parte de su vida. Si se considera que algunas reseñas biográficas le atribuyen
entre cinco y ocho experiencias matrimoniales y otros tantos hijos, cobra un
nuevo valor el hecho de que el veterano cineasta analice las dolorosas
circunstancia que envuelven una ruptura conyugal, haciendo especial hincapié en
las irreversibles consecuencias que implica para sus descendientes.
Al igual
que sucede en Encuentros privados, el
tema de fondo de Infiel no es otro
que el del valor de la verdad. Encuentros
privados aborda el concepto de verdad desde los ámbitos lógicos y
teológicos, mientras que Infiel lo
hace desde una perspectiva esencialmente ética.
SOBRE INGMAR BERGMAN
LIV
& INGMAR
Noruega, 2012 / Documental / Color / DVD / 89 min.
Director: Dheeraj Akolkar. Reparto: Liv Ullmann.
Basado en
el libro biográfico de Ullmann, “Senderos”, y en el intercambio epistolar entre
la actriz noruega y el director sueco. “Eres mi Stradivarius”, recuerda Liv
Ullmann que le dijo Ingmar Bergman cuando la actriz le confesó que estaba algo
cansada de que le preguntaran constantemente por la interacción artística con
el renombrado realizador. El recuerdo es en primera persona y a cámara. Liv & Ingmar es un paseo por la
relación personal y profesional (sentimental, amistosa, creativa y varios otros
etcéteras) entre el gran cineasta sueco y la actriz de origen noruego.
DESCUBRIENDO
A BERGMAN - Trespassing
Bergman
Suecia, 2013 / Documental / Color / DVD / 107 min.
Director: Jane
Magnusson, Hynek Pallas. Reparto: Woody Allen, Michael Haneke, Martin Scorsese, Alejandro González
Iñarritu, Robert de Niro, Alexander Payne.
La vida y las
películas clave de Ingmar Bergman a través de los ojos de actores y directores
actuales. Desde la última casa de Bergman (en la isla de Fårö, en cuya sala de
video guardaba el director sueco miles de películas), varios cineastas
consagrados reflexionan sobre los principales temas presentes en la filmografía
de Bergman, así como sobre la influencia que ha tenido en su vida y en su
trabajo. Entre los entrevistados están Woody Allen, Michael Haneke, Martin
Scorsese, Ridley Scott, Tomas Alfredson, Francis Ford Coppola, Wes Anderson,
Takeshi Kitano, Isabella Rossellini, Zhang Yimou, Ang Lee, Robert de Niro,
Claire Denis, Olivier Assayas, Alejandro González Iñárritu, Wes Craven, John
Landis, Holly Hunter, Thomas Vinterberg y Lars von Trier.
“Terence Davies,
decía que Bergman tocaba "lo más
universal de la alegría y el dolor". Y todo por la contundencia
transparente del miedo; un miedo que le recluyó la mitad de la vida en la isla;
un miedo que produjo una obra irrenunciable: la propia vida de Bergman. "El miedo es el motor de la
cultura", sostiene Haneke.
Federico de Cárdenas, fue el gestor y el gran animador del Homenajes
a Ingmar Bergman que hemos organizado con ocasión del primer centenario de su
nacimiento. La persistencia de nuestro recordado Fico, hizo que la búsqueda de
las películas del maestro Bergman fuera la más completa que se pueda ofrecer al
público peruano.
Federico
de Cárdenas fue sin duda alguna una persona excepcional: sus críticas
cinematográficas constituyen una fuente rigurosa y admirable de información. Él
nos deja por siempre su gran amor por el cine, por la música, así como su
sensibilidad por todas las artes y el conocimiento.
Comprendemos
esta pequeña muestra, como parte de su legado y al mismo tiempo como un
homenaje tanto a Bergman como a Federico de Cárdcenas.
Federico
de Cárdenas, miembro del Directorio de la Filmoteca, excepcional amigo de
todos, de modo especial de los que tuvimos la suerte de compartir su talento y
generosidad. ¡GRACIAS FICO!
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